historia de la musica

El Performance

Una performance es una muestra escénica, muchas veces con un importante factor deimprovisación, en que la provocación o el asombro, así como el sentido de la estética, juegan un rol principal.

El término performance se ha difundido en las artes plásticas a partir de la expresión inglesaperformance art con el significado de arte en vivo. Está ligado al arte conceptual, a loshappenings, al movimiento artístico fluxus events y al body art. La palabra performance comenzó a ser utilizada especialmente para definir ciertas manifestaciones artísticas a finales de los años sesenta. Este medio artístico tuvo su auge durante los años setenta.

La historia del «performance art» empieza a principios del siglo XX, con las acciones en vivo de artistas de movimientos vanguardistas. Creadores ligados al futurismo, al constructivismo, aldadaísmo y al surrealismo, realizaban por ejemplo las exhibiciones no convencionales en elCabaret Voltaire. Entre estos artistas se destaca la participación de Richard Huelsenbeck yTristan Tzara.

• El arte de la performance es aquél en el que el trabajo lo constituyen las acciones de un individuo o un grupo, en un lugar determinado y durante un tiempo concreto.

• La Performance o acción artística puede ocurrir en cualquier lugar, iniciarse en cualquier momento y puede tener cualquier duración.

• Una «acción artística» es cualquier situación que involucre cuatro elementos básicos: tiempo, espacio, el cuerpo del artista y una relación entre este y el público. El performance se opone a la pintura o la escultura, ya que no es el objeto sino el sujeto el elemento constitutivo de laobra artística.

• La performance tiene parentescas con la acción poética, la intermedia, la poesía visual y otras expresiones del arte contemporáneo. Algunos llaman a tales expresiones (idénticas o muy similares a la performance): live art, action art, intervenciones y manoeuvres.

• El sniggling es una forma activista y engañosa de performance art en público, que típicamente se desarrolla de modo que los espectadores inicialmente no se dan cuenta de que se está ejecutando una performance.

En el arte contemporáneo, nos referimos a acción poética cuando distinguimos una performance de una acción basada en el sentido poético del arte, la literatura o la cultura.

 

Las vanguardias artisticas hasta la abstraccion

1. LAS VANGUARDIAS ARTÍSTICAS DEL SIGLO XX
   • FAUVISMO.
   • EXPRESIONISMO.
   • CUBISMO.
   • FUTURISMO.
   • DADAISMO.
   • SURREALISMO.
   • ABSTRACCIÓN.
2. FAUVISMO
   • Nacido en 1905 en el Salón de Otoño de París y terminado en 1911.
   • Un crítico de arte, al ver los cuadros expuestos, comentó que eran como fieras (“fauves”), por la violencia del color.
   • Características:
   • • Predominio del color sobre el dibujo.
   • • • Independiente del dibujo.
   • • • Protagonista absoluto de la obra.
   • • Utilización de colores muy exagerados, muy contrastados entre sí.
   • • • Valor expresivo.
   • • Temas siempre suaves, nada agresivos, que trataban de transmitir sosiego y sentimientos de placer.
   • • • Paisajes, personajes en habitaciones, naturalezas muertas …
   • • Los colores no se corresponden con la realidad.
   • • • Expresaban sentimientos a través de la gama cromática.
   • • Arte subjetivo.
3. HENRI MATISSE
   • 1869-1954.
   • Influencias del Impresionismo, de Van Gogh, Cezanne y del neoimpresionismo.
   • El color se organiza en campos independientes y delimitados buscando, mediante la estridencia, nuevas armonías y sensaciones.
   • La organización del espacio a base de planos de color sugiere las distancias físicas, los movimientos y los afectos.
4. Armonía en rojo.
5. La danza.
6. Odalisca roja.
7. La música.
8. Retrato de la raya verde
9. ALBERT MARQUET
   • 1875-1947.
   • Soluciones más tradicionales
   • que las de Matisse: utiliza
   • grandes masas cromáticas y
   • pocas pinceladas para sugerir
   • paisajes y escenas.

   Matisse pintando.

La Arquitectura Contemporanea

La arquitectura contemporanea comienza en alrededor de los años 70, con el postmodernismo, que pretende responder a las contradicciones de la arquitectura moderna.

Su principal característica es que pretende recuperar el ornamento arquitectónico.

Esta corriente, busca recuperar las formas del pasado, con la tecnología del presente.

La arquitectura contemporanea trata de solucionar los errores urbanísticos cometidos por el movimiento moderno, pues se ocupaban sólo del problema funcional, abandonando los problemas sociales, económicos y culturales.

El postmodernismo presenta:

• Tipologías que suelen ser adoptadas del pasado.
• Recuperación del ornamento (columnas, pilastras, molduras)
• Contrapone a las formas puras del racionalismo, la yuxtaposición formal y el abigarramiento.
• Toma formas de todos los períodos.
• Busca una recuperación de la calle, y la pequeña escala.

La arquitectura contemporanea y el deconstructivismo

El deconstructivismo es una escuela arquitectónica nacida a finales de los 80, siguiendo la ideología del filósofo argelino Jacques Derrida. Es uno de los movimientos polémicos de la arquitectura contemporanea. Se caracteriza por la fragmentación, el diseño no lineal, manipulación de la superficie de las estructuras, distorsionando principios básicos de la arquitectura, como la estructura y la envolvente del edificio. El resultado final, muestra edificios de aspecto caótico controlado. El objetivo del deconstructivismo es liberar a la arquitectura de las reglas modernistas, que constriñen la forma.

 

La arquitectura ecológica ha ganado terreno dentro de la arquitectura contemporanea, pero sus antecedentes están ya en la década del 60, con la arquitectura LOW-TECH y la HIGH-TECH.

El LOW-TECH:

Surge con la crisis petrolera de los años 60, y se ocupa de programas residenciales y equipamientos educativos y culturales. Este movimiento, oponiéndose a la frialdad de las construcciones modernas, propone una participación activa del usuario en la concepción y realización de las construcciones, con un acento comunitario. Encontramos ejemplos de esta arquitectura contemporanea en Alemania, Dinamarca, Bélgica, Noruega y Francia. Este movimiento aboga por el uso de la madera, como material cálido, liviano y de fácil colocación en obra. Se experimentó con materiales naturales, como la tierra.

El HIGH-TECH:

Esta arquitectura está representada por los edificios de oficina de acero y vidrio, realizados por los grandes arquitectos internacionales. Renzo Piano, Norman Foster, Thomas Herzong, entre otros, se unieron y formaron una asociación llmada READ, en 1993. Esta arquitectura contemporanea, se centra en el enfoque ecológico, pero abordado desde la tecnología y la informática.

 

Del Realismo al Impresionismo

El Impresionismo.

A finales de los años sesenta, una serie de pintores que rechazaban el arte académico se reunían en el café Guerbois. En 1874 celebraron una exposición independiente y colectiva en la que participaron Monet, Pisarro, Rendir, Sisley, Degas y Cézanne.

El periodista Louis Leroy empleó el término impresionistas para calificar a estos pintores. Tituló su artículo La exposición de los impresionistas, inspirándose en una de sus obras expuestas: Impresión. Sol naciente, de Monet. Empleó este vocablo para recalcar el desinterés de estos artistas hacia los medios de expresión tradicionales de la pintura para fijarse en la expresión de la impresión visual.

Los pintores impresionistas.

Manet, considerado el padre del movimiento. Los primeros impresionistas fueron Monet, Pisarro, Sisley, Rendir y Degas. Los artistas Seurat y Signac, partiendo del impresionismo, idearon otras técnicas, y emplearon el puntillismo o divisionismo.

Los posimpresionistas Cèzanne, Van Gogh, Gauguin y Tolouse-Lautrec admiten las bases impresionistas, revisan  sus postulados e impulsan nuevas fórmulas creativas e individualistas.

3.El realismo.

El realismo fue un movimiento artístico que aspiraba a dar una representación verdadera y objetiva del mundo sensible, basada en la observación. Desde mediados del siglo XIX se desarrolló en literatura y en las artes plásticas. Nació en Francia y se extendió al resto de Europa.

 

El Neoclasicismo a Goya

En esta, la primera sección de la exposición, se muestran algunos de los retratos decimonónicos más emblemáticos de Goya, como la Marquesa de Santa Cruz, junto con otras pinturas de los artistas con los que el aragonés convivió de forma natural durante más del primer cuarto de siglo, como Retrato del pintor Francisco de Goya, deVicente López, o La muerte de Viriato, de José de Madrazo. El recorrido continua con una sección dedicada aEl Romanticismo, que agrupa la obra de los principales exponentes de esta corriente tan popular del XIX español:Leonardo Alenza, Gerardo Pérez Villamil, Eugenio Lucas yAntonio María Esquivel. Tras ellos, Federico de Madrazo y el purismo académico protagonizan el tercer apartado de la exposición, dando paso a otra sala dedicada en exclusiva al gran maestro Eduardo Rosales con su famoso lienzo Doña Isabel la Católica dictando su testamentocomo protagonista.

La Pintura Barroca Española

Sin duda el XVII el el siglo de oro de las artes en España como consecuencia de un momento dulce cultural.

En el campo de la pintura, este siglo va a dar algunas de las más importantes artistas de todos los tiempos, no sólo de España, sino del arte occidental.

La pintura barroca del Siglo de Oro en España tiene una serie de características más o menos comunes:

• Predominan los temas religiosos porque es el momento de la Contrarreforma.
• Los pintores españoles reciben la influencia del tenebrismo de Caravaggio en el tratamiento de la luz, aunque luego lo abandonan.
• Existe una deliberada ausencia de sensualidad en la pintura como consecuencia del periodo histórico que se vive, muy influido por el miedo a la Inquisición.
• El principal cliente de los pintores es la poderosa Iglesia de la época. (Excepto en el caso de Diego Velázquez y otros pocos pintores de la Corte).

Pintura Barroca Española de la Escuela Valenciana

Ribalta

Las características más acusadas de Ribalta son el tenebrismo, la sobriedad del gesto de los personajes y representación de los valores táctiles (diferencia en las telas, en los colores., Etc.).

Sus principales obras son:

El abrazo de Cristo a San Bernardo. En este cuadro se aprecia un fuerte tenebrismo. Ribalta emplea aquí una composición diagonal y logra reforzar los valores plásticos (los personajes parecen esculturas).

La Santa Cena. La composición se establece en una mesa circular. Se trata de una obra colorista con gran peso en las arquitecturas que rodean la escena.

José de Ribera

José de Ribera es uno de los grandes artistas de la pintura barroca española. Se formó en Valencia, pero joven marcha a Italia y se empapa de las influencias del tenebrismo de Caravaggio.

Ribera sintió predilección por pintar cuadros que mostraban las gentes sencillas de la época. Ribera destacó por su impecable y realista tratamiento de la piel y de las arrugas.

Como otros pintores españoles de la época, sufrirá una evolución en la abandonando poco a poco el tenebrismo, que ya desaparece en su célebre obra Martirio de San Bartolomé. Este abandono del tenebrismo se produce por el contacto e influencia de Rubens y Velázquez.

Otras obras importantes de José de Ribera son San Jerónimo penitente, San Andrés, Santísima Trinidad, El sueño de Jacob, La Magdalena, etc.

Pintura Barroca Española de la Escuela Andaluza (Sevilla)

Zurbarán

Zurbarán es el llamado «pintor de frailes», porque recurrió mucho a las representaciones de frailes y de temas religiosos. También realizó bodegones.

Casi toda la obra de Zurbarán es tenebrista. En ella no importa la perspectiva y se aprecia una falta de habilidad en la composición. Zurbarán emplea una pincelada fina que hace acusar visualmente el volumen y el peso.

Sus principales obra son la Serie de la Sacristía del Monasterio de Guadalupe,Misa del Padre Cabañuelas, La visión del Padre Salmerón, Tentación de San Jerónimo, San Hugo en el refectorio Fray Pedro Machado,Inmaculada.

También son importantes en la obra de Zurbarán los Bodegones casi ascéticos donde se aprecia su virtuosismo en la representación de calidades, volumen y texturas

Murillo

Murillo se centró también en la temática prácticamente religiosa. A diferencia de Leal, Murillo representa la cara dulce de la Contrarreforma. Fue muy popular y querido. Sus clientes fueron las órdenes religiosas y algunos párrocos.

Se produce una evolución en sus trayectoria como pintor, ya que al principio se adhiere al tenebrismo y pinta escenas de cámara, cuyos protagonistas son los niños. Si embargo, en sus últimas años su pintura se hace más colorista.

De la primera etapa es la Sagrada Familia del Pajarito. Es un cuadro tenebrista y de gran realismo y de una cotidianidad muy cercana al pueblo. Su composición se basa en líneas diagonales.

Otras obras importantes de Murillo son Niños comiendo fruta,Niño mirando por la ventana, El Niño Jesús del cordero, El Buen Pastor, La Anunciación, etc.

Otra de las obras maestras de Murillo es su Inmaculada Concepción. Es una pintura colorista con una escena idealizada donde la Virgen tiene una mirada de éxtasis místico.

Valdés Leal

Valdés Leal fue un pintor que se recreó en reflejar la parte más cruda de la vida. Leal simboliza la visión dura de la contrarreforma. Son famosas sus «Alegorías de la muerte».

En la obra El fin de la Gloria del mundo. (Finis gloriae mundi). Valdes Leal hace todo un alarde de crudo realismo, incluyendo la figura del esqueleto de un cadáver. En esta célebre pintura expresó que la muerte es igual para todos.

De similar temática e intención es otra de sus obras más duras.In ictu oculi (En este lugar).

Pintura Barroca Española de la Escuela de Madrid

Carreño y Claudio Coello

En la Escuela de Madrid de la Pintura Barroca española destacan dos artistas: Claudio Coello y Carreño, ambos pintores de cámara de Carlos II.

Quizás la mejor obra de Claudio Coello esAdoración de la Sagrada Forma. El cuadro representa una Misa en un templo mostrado con gran profundidad. En ella aparece el propio monarca. Otra gran obra de Claudio Coello es El Triunfo de San Agustín.

Juan Carreño, por su parte pintó, en otras muchas obras elRetrato de Carlos II y el Retrato de la Reina Doña Mariana de Austria.

Diego Velázquez

Velázquez es el pintor barroco español más importante y una de las máximas figuras de la pintura universal porque aplica su genio con fortuna en todos los temas: religiosos, mitológicos, retratos, históricos, paisajes, bodegones, etc.

Velázquez nace en 1599 en Sevilla y muere en Madrid en 1660, por tanto realiza sus obras en la primera mitad del siglo XVII, en la corte española que está regida todavía por los Austrias. Velázquez será el pintor de cámara de Felipe IV.

Tiene características muy peculiares, pero las más representativas son:

• Perspectiva aérea.
• Profundidad.

Velázquez desarrolla primero su obra en Sevilla y luego en Madrid. Como otros pintores de la etapa barroca en España, comienza apegado al tenebrismo, pero a partir de conocer la obra de Rubens y de su viaje a Italia, lo abandona y es cuando consigue sus más afamadas obras geniales.

La Escultura Barroca Española

En España la escultura barroca tiene sus propias peculiaridades que la diferencian del resto del mundo. Se caracteriza por el uso prioritario de la madera policromada, que se conocerá como imaginería. La escultura está al servicio de la Contrarreforma. Busca lasensibilidad popular, la expresividad, que se manifiesta en los pasos de Semana Santa. La religiosidad trasciende a la calle y comienzan a popularizarse las procesiones. La necesidad de sacar las figuras a la calle supone que deben ser de bulto redondo y, en general, de cuerpo completo, o al menos que se puedan vestir. Su mayor realismo la aleja del gusto italiano, las obras se realizan para ser objeto de la devoción popular. Apenas existe escultura civil, incluso la funeraria está en decadencia. Los escultores trabajan para gremios y cofradías de carácter religioso. Los temas son religiosos, se representa ante todo la pasión de Cristo y la Virgen. En España encontramosdos centros principales: la escuela castellana y la escuela andaluza.

En Castilla encontramos dos centros Madrid y Valladolid. Aquí trabajó Gregorio Fernández, uno de los imagineros más representativos, tanto por su expresionismo, como por su patetismo y su carga dramática, en el que refleja un hondo sentimiento religiosoy un profundo naturalismo. Tratará de despertar la piedad popular a través de la visión de figuras descarnadas. Presta gran atención a la representación del cuerpo humano. Fue el creador de los tipos iconográficos más característicos, como el Cristo yacente, el crucificado o la piedad. Realiza obras como el Cristo yacente, paso del Descendimiento y la Piedad. Otros escultores vallisoletanos sonFrancisco Díez de Tudanca y Narciso Tomé: esculturas del monasterio benedictino de Sahagún, y ya en el siglo XVIII, Alonso de Villabrille, que trabajará también en Colombia. En todos ellos se encuentra la influencia de Gregorio Fernández. En Madrid trabajanManuel Pereira: Crucifijo del oratorio del Olivar, Crucifijo de Lozoya en Segovia, Juan de Bolonia: estatua ecuestre de Felipe IV, yFelipe de Espinabete. En Madrid primó el retablo religioso y los retratos de la Corte, casi lo único que no es religioso de la época.

En Andalucía también encontramos dos centros: Sevilla y Granada. Su imaginería tiene un carácter más intimo, de recogimiento interior, y un lenguaje más clásico. Las figuras tiende a tener un aspecto infantil, y una expresión más melancólica y mística que trágica. Las tallas son de un gran virtuosismo técnico. Trabajan aquí escultores como Montañés o Alonso Cano, que se caracterizan por su idealismo figurativo y sus vírgenes niñas. En Sevilla trabajó Juan Martínez Montañés, muestra en sus figuras una tendencia al equilibrio y la serenidad. Crea los tipos de la Inmaculada y los crucificados, más humanos. Obras suyas son: el Cristo de la Clemencia, Inmaculada de santa Clara, San Ignacio y Jesús de la Pasión. Discípulo de Montañés fue Juan de Mesa: Jesús del Gran Poder, Cristo de la Buena Muerte. Tiene una cierta tendencia al patetismo. Otros escultores sevillanos son Pedro Roldán, Pedro Duque Cornejo y Luisa Roldán, que utiliza la técnica del barro cocido policromado, sobre todo en los belenes. En Granada trabaja Alonso Cano, discípulo de Montañés. Destaca por su serie de Inmaculadas. Aborda la belleza formal buscando arquetipos: Inmaculada, San Antonio de Padua. Es el creador del centro granadino. También está Pedro Mena, que es probablemente el imaginero más significativo. Se caracteriza por suscontenidos ascéticos y místicos. Realizó obras como la Dolorosa, Magdalena penitente, San Francisco de Asís y San Pedro de Alcántara. Otros escultores son José Mora, Diego Mora y Alonso Mena, otro de los grandes escultores del momento, que trabaja entre Granada y Sevilla: San Juan Bautista, el Entierro de la Caridad de Sevilla.

En el siglo XVIII podemos considerar otra escuela en Murcia, en la que destaca Francisco Salzillo, caracterizado por sus figuras delicadas y su gusto rococó. Crea pasos en grupo, conjuntos con varias figuras. No sólo hace pasos de Semana Santa sino tambiénbelenes. Sus figuras están llenas de movimiento y poseen una delicadeza femenina. Entre sus obras destacan la Virgen de la leche, el paso de la Oración del huerto y sus belenes.

 

La arquitectura barroca Española

En el barroco la arquitectura va frecuentemente unida al urbanismo. La ciudad se vuelve escenográfica. El palacio, las iglesias y templos, los teatros, jardines, etc. se decoraron para llamar la atención.

La España del siglo XVII impuso a la arquitectura una evolución distinta a la del modelo Europeo. Aquí el modelo herreriano, con su austeridad y su simplicidad geométrica, pervivió hasta la primera mitad del siglo XVII, aunque la necesidad de lujo y ostentación por parte de las clases dominantes lo recubrió de una frondosa ornamentación.

Las estructuras de las construcciones son simples, las cúpulas son fingidas de yeso y sostenidas con armazón de madera, pero los interiores se recubrían con grandes retablos, dorados y pintados. Algunas fachadas, especialmente en el norte y levante, se conciben casi como retablos y experimentan la misma evolución que estos: desde una ordenación al estilo clásico, derivada del modelo de El Escorial, hasta la complicación fantasiosa de algunos arquitectos barrocos.

En la segunda mitad del siglo XVII, los elementos lo cubren todo y se introducen elementos nuevos, como las fantásticascolumnas salomónicas.

En arquitectura civil, las obras son mucho más serenas y equilibradas y destacan el conjunto de Plazas Mayores

La finalidad de la arquitectura barroca es la expresión del espacio. Para ello se abandonan las líneas definidas y rectas del Renacimiento, para dar preferencia a la línea curva por ser más dinámica.

Las fachadas adquieren gran importancia, a veces, casi independencia del resto de la obra; mientras que en los interiores, las líneas constructivas desaparecen bajo una abundante ornamentación con exuberancia de flora y fauna, sobre numerosas cornisas y columnas griegas y romanas. De éstas, las retorcidas, llamadas salomónicas, son las más comunes. También las plantas constructivas cambian, manifestándose preferencia por las circulares, elípticas o mixtilíneas.

Se construyen edificios con materiales pobres y de aspecto sombrío. Los centros principales en que se desarrolla el barroco son Madrid, Sevilla, Valencia, Toledo y Valladolid.

En definitiva: La arquitectura barroca española se distingue por poseer una exuberancia decorativa, que cubre el interior y exterior de muchos edificios, sobre todo iglesias.

El italiano Crescenzi inicia en el barroquismo la arquitectura española con la decoración del Panteón de El Escorial. Entre los edificios más representativos de la transición del herreriano al pleno barroco cabe citar San Isidro el Real de Madrid y la Clerecía de Salamanca.

Quien da el paso decisivo hacia el pleno barroco es el granadino Alonso Cano, pintor además de arquitecto, al que debemos la fachada principal de la catedral de Granada. Ya en pleno barroco se desarrolló también la arquitectura denominada el churriguerismo, estilo muy recargado derivado del arquitecto y escultor José de Churriguera.

Características de la arquitectura:

La arquitectura barroca tuvo el objetivo de emocionar y llamar la atención del espectador, por lo que utilizaron lo siguiente:

• El uso de la línea curva, tanto en las estructuras de los edificios como en la decoración.
• Destaca el uso de las columnas salomónicas, que son las que están en espiral, y da una sensación de movilidad.
• La utilización de efectos luminosos en los edificios a través de una gran profusión de entrantes y salientes, es decir, de fachadas con distinta profundidad; y de fronteros rotos, es decir, de fronteros en los que alguno de sus lados no está cerrado.
• La abundancia de decoración y de adornos en las fachadas e interiores.
• La utilización de materiales ricos, especialmente en las Iglesias, para producir una sensación de lujo.

Los edificios propios

Una de las preocupaciones del Barroco son los grandes recintos públicos urbanos. Es frecuente que en las ciudades más importantes se lleven a cabo plazas mayores de enorme superficie y suntuosidad. En España tenemos la Plaza Mayor de Salamanca y de Madrid.

 

La Pintura Barroca Europea

La pintura barroca europea, como la arquitectura, se divide en escuelas nacionales con características particulares, pero con rasgos comunes:

Primacía del color
Las formas son definidas por manchas de color y de luz, no por la línea ni por el dibujo.

Importancia del estudio y captación de la luz
Las formas dependen de la luz, sin ella se esfuman o desaparecen. En el Renacimiento, la función de la luz era que las formas se vieran plenamente; en cambio en el Barroco, los cuadros no se iluminan de manera uniforme. Cada pintor hará uso de esa luz según sus características.

Dominio de la tercera dimensión
Por medio de la perspectiva lineal, la cual se estaba desarrollando desde el Quattrocento, y sobre todo por el avance de la perspectiva aérea. Otras técnicas serán: utilización del escorzo (las figuras en primer término contrastan con la lejanía del horizonte), uso de primeros términos oscuros para que la luz que existe en zonas interiores parezca estar realmente más allá, y en especial, el dominio del difuminado, del claroscuro y de la mezcla en la paleta para captarlos tal y como los capta el ojo humano son importantes.

Composición abierta, asimétrica, movida y atectónica
Sobre todo sobre la base de diagonales, escorzos y líneas en cruz-aspa. Los esquemas circulares, triangulares, piramidales, serenos y equilibrados del Renacimiento desaparecen.

Tendencia al realismo
Que incluso muestra gusto por lo más crudo de la vida humana (vejez, deformidad, cadáveres en putrefacción). Aparece la naturaleza muerta como protagonista (platos con alimentos, bodegones, frutos) y también el paisaje se convierte en protagonista. En los países protestantes esta característica se manifiesta como interés por la realidad cotidiana, mientras que en los católicos (la Contrarreforma), supone interpretar en tono popular y de la vida diaria los temas religiosos; se busca acercar la religión a la sensibilidad popular, de manera que la gente del pueblo se pueda reconocer.
Esta vertiente realista se alternará con otra, fastuosa, opulenta, teatral, representada por pintores como Rubens, y sobre todo por los “pintores decoradores”.